TITULO ORIGINAL Gordos AÑO 2009 DURACIÓN 115 min. PAÍS ESPAÑA DIRECTORDaniel Sánchez Arévalo GUIÓN Daniel Sánchez Arévalo MÚSICAPascal Gaigne FOTOGRAFÍA Juan Carlos Gómez REPARTOAntonio de la Torre, Raúl Arévalo, Roberto Enríquez, Verónica Sánchez, Leticia Herrero, Pilar Castro, Teté Delgado, Fernando Albizu, María Morales, Marta Martín, Adam Jeziersky PRODUCTORA Tesela P.C. WEB OFICIALhttp://www.gordoslapelicula.com/
GÉNERO Comedia. Drama /
SINOPSIS:
Comedia dramática sobre los excesos y las carencias de la vida. Los complejos, las fobias, las obsesiones, los traumas, los errores, los miedos, la culpa, los deseos, las ilusiones, los retos, los compromisos, las metas, las relaciones, el amor, el sexo, la salud, la familia... La supervivencia, en el más amplio y orondo sentido de la palabra. "Gordos" es una historia coral que gira en torno a una terapia de grupo, de gente con problemas relacionados con la obesidad. (FILMAFFINITY)
A MUERTE
Esta película nos plantea un montón de situaciones y no resuelve ninguna. El tema es un acierto por su actualidad y candencia, algunas de las historias que la componen son muy buenas, pero no sabemos bien si es una comedia, un drama o las dos cosas a la vez, no tiene resolución, aunque tiene sus momentos graciosos. El tratamiento de tantas historias paralelas aunque en su mayor parte sean buenas, al final nos satura y los lía más que darnos una idea común o un eje director del flim. Demasiadas vueltas para no llegar a ningún sitio.
Dirección y guión: Quentin Tarantino. Países: USA y Alemania. Año: 2009. Duración: 153 min. Género: Acción, bélico. Interpretación: Brad Pitt (teniente Aldo Raine), Diane Kruger (Bridget Von Hammersmark), Mélanie Laurent (Shosanna Dreyfus), Christoph Waltz (coronel Hans Landa), Michael Fassbender (Archie), Daniel Brühl (Frederick Zoller), Eli Roth (Donny), B.J. Novak (Smithson), Til Schweiger (Hugo Stiglitz), Gedeon Burkhard (Wilhelm Wicki), Julie Dreyfus (Francesca Mondino). Producción: Lawrence Bender. Fotografía: Bob Richardson. Montaje: Sally Menke. Diseño de producción: David Wasco. Vestuario: Anna B. Sheppard. Estreno en USA: 21 Agosto 2009. Estreno en España: 18 Septiembre 2009.
SINÓPSIS Durante el primer año de la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus (Melanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza a un grupo de soldados judíos para tomar brutales y rápidas represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “Los Bastardos”, los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine, donde Shosanna espera para vengarse.
CRÍTICA UNO (Cova) Yo diría que es una película con "tarantinadas" mas que una película de Tarantino. Es decir, se notan su firma pero... No es cien por cien Tarantino. Reconozco que me perdí un minuto o dos de cinta porque me dormí. Y no porque la película me resultara aburrida. No lo es en absoluto. Está muy bien hecha, muy bien dirigida y sus actores dan todos la talla. Muy buena sobre todo la interpretación de Christoph Waltz (coronel Hans Landa) que cuando aparece en escena, la película gana y los ojos del espectador no se pueden apartar de él. ¡Peeeero!.. No es Reservoir dogs, ni Pulp Fiction, ni siquiera Kill Bill vol. 1. Según el director con esta película quiere demostrar "la fuerza del cine para luchar contra el nazismo" (exceso de optimismo por su parte o es una boutade de las suyas). Y desde luego es un homenaje al cine pues es uno de los protagonistas de la película. También nos deja claro que Quentin se ha leído al menos un par de libros sobre la II Guerra Mundial. Y ese es para mí su principal fallo. Que intenta hacer una película seria, de denuncia, de no a la guerra y a las barbaridades nazis, quedando un producto casi casi convencional. ¡Con el buen material para hacer precisamente una buena tarantinada! con sus desparramos, sus excesos que yo tanto he echado de menos. Abundan las secuencias demasiado largas, donde los personajes hablan y hablan y aunque sus diálogos son buenos... Falta esa acción tan característica suya y a la que nos tiene acostumbrados.
TARANTINO SE DESINFLA por Vladimir Eisenstein ¿Por qué nos deslumbró Tarantino en su día? Sin duda por esos elaborados guiones (Reservoir Dogs, Pulp Fiction) de compleja y bien acabada arquitectura y con “diálogos para besugos” chispeantes, algunos de los cuales se incorporaron a nuestra memoria sentimental. También por la originalidad de sus personajes caricaturescos, pero con vida propia. Añadamos su buen gusto musical, pinchando temas, como un disc jockey en los momentos decisivos y renunciando a la banda sonora tradicional. Estas eran sus mejores cartas. ¿Encontramos algunas de ellas en “Malditos Bastardos” Hay que decir que no o que en vez de trío de ases sólo enseña una pareja de ochos. El argumento no es malo, por ejemplo, pero el guión es lineal y articulado en largas secuencias a las que falta relleno o es muy soso. Ni los diálogos, ni lo que ocurre justifican su duración, luego falla el ritmo, de hecho, rectificó el montaje abreviando, tras su proyección en Cannes. Los personajes son una pálida sombra de aquellos otros que dibujó. Baste con comparar la Uma Thurman de “Kill Bill” con la Shosanna que interpreta Mélanie Laurent. Brad Pitt consigue un acento de sargento palurdo americano muy logrado, pero no hay más personaje. Y sus bastardos quedan a años luz de los ricos secundarios de Tarantino. Sí, el “malo”, Christoph Waltz, aúpa la cinta con sus apariciones, pero hubiera necesitado un teniente Aldo Raine (Pitt) a su altura para darle la réplica. Ni siquiera la banda sonora se salva, pues pese a algunos hallazgos de Morricone y un inesperado Bowie (quizás el mejor momento musical) resulta previsible y menos brillante que en otras ocasiones. No quiero ser injusto y hay que reconocer que las expectativas que despierta una nueva película de Tarantino son desmesuradas y que por ello puede que seamos demasiado exigentes. “Malditos bastardos” entretiene y divierte, no es cine vulgar y lo que desde luego no ha olvidado nuestro admirado director es su oficio de narrar con imágenes. Sigue moviendo la cámara con elegancia y estilo (ese admirable manejo de los momentos de tensión previos al estallido) y, si fuera su debut, quizás estaríamos juzgando de muy otra manera. Pero lo que sí parece evidente es que Tarantino se está tropezando con sus propias limitaciones. “Death Proof” y la segunda parte de “Kill Bill” ya demostraron que cuando intenta ponerse serio no lo consigue. Lo suyo no es conmover, sino divertir. ¿Qué camino tomar para no repetirse a sí mismo? Es una papeleta difícil, en verdad, cuando sus aciertos son tan marcados y parecen poco dúctiles. Lo peor es que incluso esos aciertos, su ingenio y capacidad de sorpresa, parece que se están desinflando. Te ríes, pero poco, y te sorprendes, pero menos que en sus anteriores películas.No, no nos desanimemos, seguro que el spagueti-pistolón de Quentin aún guarda una bala en la recámara y, si no es así, su cine quedará como una fugaz, brillante y graciosa cáscara de nuez que, al fin y al cabo, estaba vacía.
FICHA TÉCNICA TITULO ORIGINAL: District 9 AÑO: 2009 DURACIÓN: 111 min. PAÍS: USA, Nueva Zelanda DIRECTOR: Neill Blomkamp GUIÓN: Neill Blomkamp, Terri Tatchell MÚSICA: Clinton Shorter FOTOGRAFÍA: Trent Opaloch REPARTO: Sharlto Copley, Jason Cope, David James, Vanessa Haywood, Mandla Gaduka, Kenneth Nkosi, Eugene Khumbanyiwa, Louis Minnaar, William Allen Young PRODUCTORA: Coproducción Nueva Zelanda-Suráfrica; Wingnut Films / Key Creatives / QED International / Sony Pictures / Tristar Pictures. Productor: Peter Jackson GÉNERO: Ciencia-Ficción.
ARGUMENTO:
Hace treinta años los alienígenas contactaron por primera vez con el planeta Tierra. La raza humana esperó un ataque hostil o un gran avance en la tecnología. No ocurrió ninguna de las dos cosas. Los alienígenas eran refugiados, los últimos sobrevivientes de su planeta de origen. Al tiempo que las naciones del mundo intentaban ponerse de acuerdo en lo que tenían que hacer con ellas, las criaturas fueron instaladas de forma temporal en el Distrito 9 de Johannesburgo (Sudáfrica). Ahora, la paciencia en cuanto a la situación de los alienígenas se ha agotado. El control sobre los extraterrestres ha sido delegado en Multi-National United (MNU), una compañía privada que lo que le interesa no es el bienestar de los alienígenas sino las formidables ganancias que les podría reportar su impresionante armamento, en el caso de que pudieran hacerlo funcionar. Hasta el momento no lo han logrado; la activación de las armas requiere ADN alienígena. La tensión entre los extraterrestres y los humanos llega a un punto crítico...
LA CRÍTICA (repelente y viperina)
MARCIANOS SIN PAPELES por Vladimir Eisenstein
La ciencia ficción siempre ha sido un género con grandes posibilidades para ejercer la crítica social o política. Ya sabemos que el futuro habla del presente y que los otros mundos de ficción se parecen demasiado al nuestro. Abundan los ejemplos de ello, sobre todo hasta que los efectos especiales y el diseño por ordenador de naves, monstruos y armas se impuso sobre el guión.
“Distrito 9” parte de una idea brillante. Los “marcianos” han llegado a la tierra. No, no es esta la idea brillante, lo brillante es que ni son invasores, ni vienen en son de paz, su nave interplanetaria es una gigantesca patera y cuando los terráqueos entran en ella encuentran a miles de seres con aspecto de insectos, famélicos y en un estado lamentable. Los instalan precariamente en un gran campo de refugiados que, con el tiempo, se convierte en un gueto con sus habituales problemas: delincuencia, gamberrismo, tráfico de drogas, prostitución (¡interespecies!), marginalidad, problemas sanitarios…
¿Y dónde han aterrizado? Curiosamente en Johannesburgo. Es de ver la airada reacción de la población sudafricana, tanto blanca, como negra contra los que llaman despectivamente “gambas”, como anteayer los afrikáner llamaban “monos” a los negros. Y es que no saben comportarse, son sucios, rebuscan en las basuras, destrozan el mobiliario urbano y no entienden lo que es la propiedad. Se plantea la misma solución que en su día probó el gobierno segregacionista: su reclusión en un bantustán o reserva tribal, previo su desalojo, en este caso, del gueto. Apartheid para los aliens.
El organismo que se encargará del desalojo será una compañía de seguridad (policía privatizada) con oscuros intereses comerciales. Y el responsable al mando será un mediocre empleado de la misma, bastante ridículo, pero yerno del jefe, y que presumimos que cometerá múltiples torpezas con graves consecuencias.
No os he adelantado gran cosa, porque este es sólo el punto de partida inicial del film. En este tono de aguda crítica e irónico humor y narrada como falso documental arranca con brillantez. Sin ninguna chica guapa a la vista y con aliens (que hablan en alien con subtítulos en terráqueo –inglés-) de caparazón tan vulnerable como la piel humana.
Tras este atípico planteamiento de la invasión marciana, las posibilidades de desarrollo argumental son variadas y ricas, pero para nuestra decepción el debutante Neill Blomkamp, que demuestra un gran dominio de la puesta en escena, elige la más trillada y la más comercial.
El empleado mediocre se convierte, obligado por las circunstancias y un arrebato moral y sentimental, en un héroe a la fuerza. Una vez más el mito americano del individuo solitario luchando a favor de los débiles contra la injusticia empresarial-estatal. Poco a poco los tiros y la acción van ganando terreno hasta una traca final innecesariamente alargada con gran despliegue de efectos especiales, tremendismos y ruido.
Esto no quiere decir que en ningún momento aburra o caiga en la vulgaridad. Ya he dicho que Blomkamp tiene talento y no deja de entretener, manteniendo el ritmo y nuestro interés. Sólo que las expectativas iniciales se diluyen en lo convencional. Muy bien hecho, pero convencional al fin y al cabo.
“Distrito 9” ha sido un gran éxito de taquilla. Es justo. Hay que verla para disfrutar del ingenio de su primera parte y luego divertirse sin más con las peripecias finales.
Intérpretes: Carmelo Gómez, Hugo Silva, Carlos Sante, Rula Blanco, Tomás Lijó, Yoima Valdés
Música: Xabi Font y Arturo Vaquero
Fotografía: Juan Carlos Gómez
Montaje: Guillermo Represa
ARGUMENTO
Sebastián, un delincuente de poca monta, recién salido de prisión, decide buscar empleo en una pequeña empresa de Galicia. Pero no por vocación, desde luego, sino porque algo le dice que el dueño de la empresa, Regueira, no se ha pagado el Jaguar con cangrejos. Mediante una astucia, se hace amigo de un encargado, Raúl, y consigue que le contraten. Regueira se lo cree sólo a medias, pero comprueba muy rápidamente que aquel joven de dientes mellados tiene agallas y decide convertirlo en su ayudante. Poco a poco, Sebas cambia de aspecto, se gana ropa nueva, nuevos dientes y sobre todo la confianza de su jefe. Parecerá haber llegado a la cumbre o casi. Pero, Sebastián, tan listo y despiadado, ignora que forma parte de un juego que le supera.
LA CRÍTICA (REPELENTE Y VIPERINA)
NO TE PUEDES FIAR DE NADIE por Vladimir Eisenstein
La peripecia de un joven y ambicioso delincuente que ingresa en una organización (criminal o no) y procura arrimarse al jefe para ascender y quizás suplantarle en el futuro, se ha contado ya en numerosas ocasiones. Nada que objetar (¿cuántas veces nos han contado Romeo y Julieta?), pues las aventuras que puede vivir un ser humano son limitadas, pero intemporales. Nos gusta que nos las cuenten una y otra vez. Eso sí, el envoltorio hay que cambiarlo e introducir nuevas anécdotas y enredos para no aburrir.
En “Agallas” la organización es la de un narco gallego y el joven es un “chorizo” de la capital dispuesto a todo. Se necesitan dos actores de peso para estos papeles. Carmelo Gómez está impecable, como esperábamos, en su rol de “padrino” y Hugo Silva borda al macarra de barrio madrileño que, pese a estar fuera de su elemento, sobrevive gracias
al empuje del desesperado que no tiene nada que perder. El reparto, sin embargo, flojea en los secundarios, algo desatendidos por la dirección, excepción hecha de Celso Bugallo.
Los guionistas han estado también a la altura de los protagonistas y nos brindan una trama que no conseguimos anticipar y que nos sorprende en los momentos precisos, ofreciéndonos la moraleja de que no te puedes fiar de nadie y que no hay enemigo pequeño.
Un aspecto muy delicado era el de la ambientación. Las posibilidades de caer en la inverosimilitud o trasplantar modos y maneras americanos a las rías eran grandes. Pues no, estamos en Galicia, sin duda, y Regueira, el narco, es un buscavidas gallego con denominación de origen, menos fanfarrón que los conocidos, pero creíble.
El propósito de los directores debutantes Samuel Martín y Andrés Luque ha sido elaborar una película comercial y entretenida, objetivo que cumplen con creces. Y quizás sea esa falta de pretensiones la que limita la altura de la película, en la que se echa de menos, cierta densidad, algo de atmósfera y dureza. Se ajustan a lo narrativo y descuidan el clímax y las emociones, que nos hubieran gustado más complejas y ambíguas, ya que en este relato predomina la intriga, la doblez de los personajes, sobre la acción. Sin embargo éstos sólo se expresan a través de sus actos y sólo les mueve el dinero. La realización, ni qué decir, también resulta epidérmica, puede que debido a la formación televisiva de los directores.
Pequeños reparos que no empañan en absoluto el disfrute de esta buena película equiparable en su calidad a muchos productos USA que hemos visto protagonizados por De Niro o Pacino. Eso sí, con las limitaciones propias de una producción mucho más modesta y una promoción publicitaria muy inferior. No os la perdáis, hay que ver a Hugo Silva en este “sucio” papel, el final es realmente sorpresivo, ingenioso y humorístico y pasaréis un buen rato.
Desde Greenpeace te recomiendan la película-documental The age of stupid (La era de la estupidez), la cual pone de manifiesto la estupidez humana al no reaccionar a tiempo contra el cambio climático.
Está protagonizada por el nominado al Oscar Pete Postlethwaite, quien interpreta a un anciano que vive en el mundo devastado de 2055, observando un archivo de videos realizados en 2008 y preguntándose: ¿por qué no frenamos el cambio climático mientras tuvimos la oportunidad?
El 22 de septiembre se estrena en cines de Madrid, Barcelona, Zaragoza, Vizcaya y Álava.
Países: Dinamarca, Alemania, Francia, Italia, Suecia y Polonia.
Año:2008.
Duración: 105 min.
Género: Drama.
Interpretación: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg.
Producción: Meta Louise Foldager.
Fotografía: Anthony Dod Mantle.
Montaje: Anders Refn.
Diseño de producción: Karl Júlíusson.
Vestuario: Frauke Firl.
Estreno en Dinamarca: 20 Mayo 2009.
Estreno en España: 21 Agosto 2009.
ARGUMENTO:
Una pareja sumida en el dolor se retira a una cabaña perdida en medio del bosque, llamada “Edén”, con la esperanza de que el contacto con la naturaleza cure sus corazones rotos y su tambaleante matrimonio. Pero la naturaleza sigue su curso y las cosas empiezan a ir de mal en peor.
CRÍTICA BíFIDA
LENGUA BíFIDA UNO (Cova)
Como siempre, Lars von Trier provoca, escandaliza, desconcierta, gusta o decepciona, pero nunca deja indiferente. En esta ocasión, según sus propias palabras, enfrentándose/enfrentándonos a sus propios demonios. Sin embargo, si buscaba que el espectador se identificara con ellos, fracasa. Por lo menos conmigo. Hay situaciones que no me han resultado creíbles, sino puro disparate (no confundir con delirio, que sí me habría resultado "verosímil"). Comprendo que ese mono loco que tenemos en la cabeza puede desatar no uno, sino mil demonios y hacernos enloquecer... Pero me he sentido bastante ajena a la mayoría de los que aparecen en la película aunque si he conseguido sumergirme en su intenso y claustrofóbico ambiente. Tampoco entiendo el revuelo que se ha armado con la película, porque momentos realmente desagradables sólo hay dos y llegando ya al desenlace final. Además, a estas alturas, ya estamos (o deberíamos estar) curados de espantos. No obstante, hay que destacar su estupenda dirección y la extraordinaria actuación de Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg. La película dura dos horas y en absoluto se hacen pesadas, teniendo en cuenta que sólo están ellos dos, y la cantidad de primeros planos.
Se observará que no me es fácil hablar de ella. Espero de los seguidores de este blog que vayan a verla y la comenten, porque su mayor virtud es que puede dar lugar a un interesante debate.
P.D.- Por cierto, después de ver esta película he anulado mis citas con el psicólogo.
LENGUA BÍFIDA DOS
UN TALENTO DESBOCADO (Por Vladimir)
Quizás sería mejor ver “Anticristo” como su comercial y engañoso título sugiere, sólo como una película de terror psicológico y posesión diabólica. Y lo es.Aceptando, eso sí, que los demonios se ríen dentro de nuestra cabeza y no entre los calderos del Averno. Nos evitaríamos, gracias a ello, especulaciones intelectuales y feroces debates cinéfilos.
Por suerte y por desgracia “Anticristo” es mucho más que eso.No en vano es obra de Lars Von Trier, quien mantiene, casi en solitario, la bandera del cine de autor, del director como artista e intelectual y del cine como obra de arte.Se arriesga en cada una de sus películas y en esta se lanza a tumba abierta, se desmelena sin freno.
Si sus últimas cintas resultaban más cerebrales que emotivas e incluso algunas eran cine de tesis (Dogville, Manderlay), en “Anticristo” recupera el desgarro de “Rompiendo las olas”, pero elevado al cuadrado. Aquí ya no hay melodrama, sino sufrimiento químicamente puro. La víctima que se ofrecía en sacrificio redentor (Emily Watson) ahora se torna carne doliente que se autoinmola y quiere arrastrar a todos los que le rodean en su implosión.
“Anticristo” es una película volcánica, excesiva, brutal, sin concesiones, agotadora. Este es su mayor defecto. Son tantos los temas, elementos y alusiones que Von Trier ha querido meter en ella que abruma y confunde. Él mismo dice que le ha servido de catarsis en medio de una severa depresión, quizás debería haber esperado a recuperarse. No quiero decir con ello que el resultado sea una mala película, en absoluto. Von Trier narra con pasión y maestría, consigue una tensa atmósfera de muchos grados y cuenta con una Charlotte Gainsbourg, cuya interpretación nos quedará grabada en la retina muchos años, pero narra sin freno, a pelo, desbocado y, a veces, tropieza. Por ejemplo esos animalitos (un zorro que habla, una Bambi-madre adolescente, un cuervo que resuelve la trama) difícilmente verosímiles y que supongo que tendrán su simbología, pero no pienso molestarme en averiguarla. ¿Importa? No mucho, porque enseguida Von Trier recupera la intensidad del tono y te vuelve a meter en su frenético descenso hacia el abismo.
Esa es la columna vertebral del film: un descenso a los infiernos de la locura de una mujer. Esa mujer es una bruja poseída por sus demonios interiores, pulsiones, obsesiones, miedos. El hombre, Dafoe (los personajes no tienen nombre), confía insensato en la racionalidad para salvarla, pobre espantapájaros de paja que el vendaval de lo primario, de lo instintivo desbaratará por completo. Von Trier afirma con crudeza que nuestra razón es un dique demasiado frágil frente a los mandatos más primarios de nuestra mente aún gobernada por lo atávico y lo inconsciente. Nada puede la civilización frente a la naturaleza.
Con toda su desmesura, no dejo de considerar a “Anticristo” como una gran película, aunque la opinión de algunos de sus detractores me parece muy respetable, porque motivos hay para rechazar producto tan crudo y esto lo digo en sentido literal, no como referencia a las dos o tres escenas escandalosas que tanto han dado que hablar.
Son duras esas escenas, es cierto. Yo mismo aparté la vista. En su defensa diré que no son gratuitas, que no desentonan, porque en el fondo, muy en el fondo, cuando se toca fondo,no hay más que carne y sangre.
Desde luego quienes van al cine a pasar un buen rato o a disfrutar con una buena historia deben abstenerse de ver “Anticristo”. Los estómagos sensibles también. Esta película es un puñetazo en el estómago y sólo los amantes del cine como arte deben imprescindiblemente ir a verla. Puede que a algunos les parezca una provocación, un delirio sin sentido y pretencioso. No es mi opinión. Es una película difícil de defender a ultranza, pero también es difícil descalificarla en su totalidad. Y Charlotte, esa interpretación de Charlotte...
“Oceanworld 3D” tiene previsto su estreno en España el 25 de Septiembre y se exhibirá únicamente en salas de cine 3D. Realizada con el asesoramiento de Jean-Michel Costeau, hijo del famoso oceanógrafo francés, la película es un homenaje al mar. Gracias a la tecnología Digital 3D, los espectadores podrán sumergirse en las profundidades del mar, un universo prácticamente desconocido. En compañía de una tortuga marina que hará de guía (a la que pone voz la actriz Belén Rueda), el público disfrutará de una visión mucho más cercana de este ecosistema infinitamente rico a la vez que frágil. Los espectadores emprenderán un viaje a los bosques de algas marinas de California, a la Gran Barrera de Coral de Australia, o a la Roca Partida de México, hábitat natural de miles de tiburones, entre otros muchos lugares.
Serán testigos de escenas espectaculares de la vida submarina: el ballet encantado de la manta raya; el elegante desfile de los tiburones martillo; la implacable caza de los peces león; un grupo de delfines jóvenes jugando al alga-fútbol; la asombrosa belleza de la bailarina española (de la familia de las babosas marinas) y del dragón marino foliado; y un encuentro único con los cetáceos más grandes del planeta.
Interpretación: Gunnar Björnstrand Bengt Ekerot Nils Poppe Max von Sydow Bibi Andersson Inga Gill Maud Hansson Inga Landgré Gunnel Lindblom Bertil Anderberg Anders Ek
Guión: Ingmar Bergman
Fotografía: Gunnar Fischer
Música: Erik Nordgren
ARGUMENTO
Un caballero regresa de las cruzadas con su escudero. En el camino encuentran que la peste está asolando el territorio. De repente la Muerte se le presenta al caballero, quien desea un plazo, no porque tema morir, sino porque desea adquirir un poco de conocimiento. La Muerte le permite jugar con ella al ajedrez; pero no tiene capacidad de darle respuestas. Una familia de juglares, un clérigo desalmado, una muchacha acusada de brujería y otros personajes son los últimos encuentros del caballero antes de llegar a su castillo.
CRÍTICA AL ALIMÓN
La muerte, la peste y el ajedrez (por Vladimir Eisenstein)
El ajedrez es un juego muy serio. Tan serio que la jugada final se llama “jaque mate”. Una partida de ajedrez contra la Muerte, que juega con negras, claro, es el tema central de “El séptimo sello”. El escenario es una zona de escarpada costa en la Suecia del siglo XIV. La peste negra se extiende y las humanas piezas del tablero van cayendo al azar. Se dice que una mujer ha parido una cabeza de ternera y hasta los rayos del sol anuncian el apocalipsis. Flagelantes recorren los caminos, se encienden piras para quemar a las brujas y los que se atreven a acercarse a los cadáveres es para robarles. Hasta los ricos tiemblan. Nadie está a salvo.
Un caballero entra en esta desolada escena. Regresa de las Cruzadas a las que se unió con juvenil idealismo. La experiencia de esa salvaje excursión de pillaje y masacres por Tierra Santa ha minado su fe. Camina, pero vacío, sin alma, y busca desesperado una mínima prueba de la existencia de Dios, existencia cuestionada por tanto sufrimiento sin sentido. Su escudero pone el contrapunto escéptico y descreído: “Por más vueltas que demos, el trasero lo tenemos siempre detrás”, nos asegura burlón. No discuten, ¿para qué? Un destino común les aguarda y hace superfluas todas las palabras. El caballero reta a la Muerte, que ha venido a buscarle, a una partida, apostando su vida en ello. La Muerte sabe que ganará, que está escrito, pero es vanidosa y acepta.
Si habéis leído hasta aquí os imaginaréis unapelícula tan dramática y patética como la danza de unos condenados. Y, sí, Bergman nos dice que todos estamos condenados sin remisión y que la salvación divina es, cuando menos, muy improbable, pero que en este valle de lágrimas hay también humor, amor y esperanza, que la salvación humana es posible gracias a un gesto, una buena obra, gracias a la ética.
Hay esperanza y Bergman la encarna en una familia de juglares, trasunto, sin duda, de la Sagrada Familia, pero aquí José es músico, María bailarina y el Niño será malabarista. Su padre sueña con que realice el “milagro” de conseguir dejar una pelota suspendida en el aire. Sólo el genio del gran cineasta sueco consigue que tan sensiblero modelo no nos impulse a apedrear la pantalla, sino a conmovernos.
Sí, las negras ganan, y ganan siempre y algún día se llevarán al niño, pero el caballero ha engañado en vida a la Muerte. ¿Cómo? No voy a desvelar la trama, pero no dejéis de ver esta gran película de 1957 que no ha envejecido, que no muestra grieta alguna con el paso de los años. Bergman, el gran cómico, ya murió, pero nos ha dejado este y otros clásicos con los que, desde luego, consiguió burlar a su Parca. La ética y, sí, también la estética nos pueden salvar.
APOCALYPSI, DANZAS Y MEDIEVO (Por Cova)
"Y cuando el Cordero hubo abierto el séptimo sello, siguióse un gran silencio en el cielo, cosa de media hora, y ví luego a siete ángeles que estaban en pié delante de Dios, y diéronseles siete trompetas" (Apocalypsi VIII, 1-2).
Las Danzas de la Muerte se remontan al siglo XIV. Eran una breve representación teatral, cuyo propósito era enseñar que todos los hombres deben morir y deben prepararse para aparecer ante su Juez. El escenario era el cementerio, la parte trasera de la iglesia, o la misma iglesia. El espectáculo se abría con un sermón a cargo de un monje. Al finalizar el mismo, salían unas figuras cubiertas con una máscara de calavera y un traje ajustado, pintado con líneas amarillentas para parecer un esqueleto. Uno de ellos se dirigía a la víctima, que era invitada a acompañarlo más allá de la tumba. La primera víctima normalmente era el Papa o el Emperador. La invitación no se consideraba un favor y el invitado intenta dar variadas razones para rechazarla, pero la muerte acaba llevándose a su víctima. Un segundo mensajero asía la mano de una nueva víctima, un príncipe o un cardenal, a los que seguían otros: labradores, comerciantes, mendigos. Finalmente un segundo sermón reforzaba la idea transmitida por la representación. De estas Danzas y del Apocalipsis de San Juan toma Bergman, que fue también gran director de teatro, la inspiración para su película y de ahí la teatral puesta en escena, interpretación y guión de la misma .
Yo añadiría otra inspiración: Aunque es una película coral, se puede decir que los protagonistas, el hilo conductor, son el caballero y el escudero. Sí. Exacto. D. Quijote y Sancho se vienen a la mente, si bien este caballero no es un loco (pero ¿acaso D. Quijote no tiene momentos de brillante lucidez?), sino un hombre atormentado por las dudas. Y el escudero no es el necio Sancho (¿Necio? pero, ¿acaso no gobernó la ínsula Barataria con sabiduría y prudencia?), sino un hombre que parece tener las ideas más claras que su señor.
El ambiente de esta película es el del terror medieval a la muerte, la inquisición, las terribles epidemias de peste que asolaban Europa y la quema de brujas, mujeres a las que se culpabilizaba de esa siniestra enfermedad por estar en tratos con el diablo.
Bergman, hijo de un pastor luterano, fue educado en los conceptos de pecado, confesión, castigo, perdón y redención, valores que le preocuparán toda su vida y que aparecen en toda su obra aunque, concretamente en esta cinta, Bergman no dramatiza, pero tampoco hace concesiones. Con serenidad, pero implacable, nos dice que la muerte está ahí, que es para todos, que a todos nos llega. Nuestra mirada, cuando el final se aproxima, no tiene por qué ser una mirada aterrorizada, ni resignada, ni alegre. Naturalidad ante todo porque, la muerte es el fin natural de los seres vivos. Los únicos que escapan a la muerte son una curiosa familia de titiriteros, errantes, pobres: La madre, María, el padre José y el niño, Mikael (=Quien es como Dios).
Magnífico guión, Maravillosa fotografía, soberbia interpretación y dirección. Si la perfección existiese, esta película sería perfecta.
Dos días antes de su boda, Doug (Justin Bartha) viaja en coche a Las Vegas con sus mejores amigos Phil y Stu (Bradley Cooper y Ed Helms) y su futuro cuñado Alan (Zach Galifianakis), para celebrar un fiestón de despedida de soltero que juran que nunca olvidarán. Pero cuando los tres amigos del novio se despiertan a la mañana siguiente con una fuerte resaca no recuerdan nada y el novio no aparece por ninguna parte, de modo que tienen que reconstruir qué sucedió esa noche y lograr encontrar a su amigo.
CRÍTICA:
Lo que a priori puede parecer la típica y tópica película americana sobre amigos que echan una cana al aire, resulta ser una divertida comedia que resuelve con ingenio y soltura los contratiempos con los que se encuentran los protagonistas de la cinta. Nos encontramos con una comedia adulta, de adultos y para adultos que ha sido la película más taquillera del verano en EE.UU. y que, aunque tal vez no sea para tanto, se merece más atención de la que puede despertar un título tan poco sugerente. La cinta está llena de gags desde el principio hasta el final. Muy recomendable para reir sin complejos.
Sonido: Aitor Berenguer, Fabiola Ordoyo & Marc Orts
Reparto
RINKO KIKUCHI
SERGI LÓPEZ
MIN TANAKA
MANABU OSHIO
TAKEO NAKAHARA
HIDEO SAKAKI
Sinopsis RYU (Rinko Kikuchi) es una chica solitaria de aspecto frágil que contrasta con la doble vida que lleva: de noche trabaja en una lonja de pescado en Tokio y esporádicamente recibe encargos como asesina a sueldo. El SEÑOR NAGARA (Takeo Nakahara) es un poderoso empresario que llora la muerte de su hija Midori que se ha suicidado, y culpa del suicidio a DAVID (Sergi López), un hombre de origen español que posee un negocio de vinos en Tokio. ISHIDA (Hideo Sakaki), un empleado del señor Nagara que amaba a Midori en silencio, contrata a Ryu para que asesine a David… Un ingeniero de sonido, obsesionado con los sonidos de la ciudad japonesa y fascinado por Ryu, es el mudo testigo de esta historia de amor que se adentra en las sombras del alma humana allá donde sólo el silencio es elocuente.
Crítica Solitaria: Soledad, soledad, soledad ... una descripción del mundo japonés, no solo de los sonidos también de su vida, entorno, suicidios, Karaoke, pescado, colores, Tokio ... todo ello para darnos una detallada explicación de la soledad de sus protagonistas y del desconocimiento entre ellos a pesar de estar tan cerca. Rinko Kikuchi tiene una soberbia y brillante interpretación. La fotografía, el tratamiento visual y sonoro, el montaje y el ritmo lento nos acerca a los personajes y sus sentimientos muy efectivamente. La historia y el guión son una excusa para enlazar soledades. Es una verdadera pena que una película tan visual y tan apoyada en la imagen y su tratamiento sea limitada por un pésimo doblaje de Sergi López que destroza toda su interpretación.
